音階練習方法

最近整理了一些資料，有關於練習音階的方式給大家參考~~
音階練習研討班開始招生~~XD

以下看能不能投票:
時間: 星期一到五 六 日
地點: 有什麼建議?邊吃飯也是可以
主題: 最主要是音階練習，但是要是有什麼主題相關的請建議。

Simon Fischer's Workshop Is Online!!!

"Basics" and "Practices" are equivalent to 小提琴的百寶箱，什麼都有。作者 Simon Fischer 最近有很多東西都在 youtube 上面。最主要是在澳洲的workshop。請大家自己去看一下，過一陣子我會把那些連結放上來，加一點中文注釋，方便對英文不是很熟悉的同好。



=============Part 1 - 音準的四個階段===============


音準有四個階段

1. 結構性音準: 具有一致性，聽起來是完美沒有問題的，像是海飛茲的錄音。
2. 結構性音準但是有錯誤: 具有一致性，但是會有錯。
3. 無結構性音準: 音會不準，但是還具有一致性。
4. 無結構性音準但有錯誤: 就是亂七八糟。

要是從階段3-4 到 階段2，其實就只有幾個小時的練習就夠了(只要練習的方法對了)，但是 階段1 會需要一輩子。


=============Part 2 - Acoustic Beating and Tunning===============


這個真的要仔細聽，基本上音不準的時候(一度五度八度)會有pulsing/beating。調音的時候就是要把那個beating弄不見。調音的時候是先調A，在把其他的弦對著A調。

=============Part 3 - Tunning===============


在不確定音到底準不準的時候，把手指放到被調整的弦上，稍微提高一點。要是聽起來比較好，那就是音太低，反之那大概就是準的了。


=============Part 4 - 持琴的高度===============


琴要與地板平行。當琴與地板平行的時候，弦已經微微的朝下，當琴持的太低的時候，弓會一直滑開到指板的地方。拉琴的感覺是 "抱著琴橋" 拉琴。
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有人已經寫出來了~~


Simon Fischer Intonation Workshop Four Levels of Intonation

Structured and unstructured intonation represent four levels of intonation. Intonation in this spirit is not only playing in tune, but producing resonant singing notes. There is very interesting math and even physics in the relationship between notes and the quality of the tone produced that is common to all instruments in some way, 'but especially important to bowed string instruments'.

Level 1: Structured--all notes related to each other--consistent, holds, no mistakes. Heifetz shows nobody plays in tune when slowed down to half speed--many notes are out of tune, but it give the impression of playing in tune. That is level 1 intonation. Is Heifetz level 1, or level 2?

Level 2: Structured with mistakes--mom doesn't notice but you do. It's still good very, because we are human. We don't want to be machines anyway. Fischer takes us to level 2.

Level 3: Unstructured: In a major arpeggio, maybe high then low c#'s in the arpeggios. Still ok, but heading in the wrong direction.

Level 4: Unstructured--with mistakes--it's all over the place. To go go from unstructured on this level to structured level 2, one can do in hours rather than years; and is, the topic of this workshop.

Getting to perfect structured (level1), can take years, but to get to level 2, it simply takes hours. "If one spends 10 minutes 3-4 times/week one is minutes away from structured intonation".



Simon Fischer Intonation Workshop Acoustic beats and tuning

Lesson Number one for students: Tune the violin. The first thing Fischer shows anyone is "acoustic beats". If you have one 'a' tuned at 440, and play another a-beside it the tones are in synch. If one is 440 and the other 438, it creates the "acoustic beat".

An acoustic beat is a dissonant pulsing that is easiest heard by experimenting by playing octaves 'barely' out of tune. "When we tune, we are getting rid of the beat". We must learn, to listen. Listening becomes the subject from the very very beginning. What does this mean to unstructured and structured intonation above? Later we will see it actually means a lot. The violin (and bowed stringed instruments in general) have a relationship between the notes and strings, whereas a singing resonant note is actually effected by adjacent strings. This becomes very important in intonation..


Simon Fischer Intonation Workshop Tuning Continued

Previously Fischer talked about getting rid of the acoustic beat. In this video he shares his trick for truly hearing if the acoustic beat is gone. One can lightly (very lightly) press the adjacent string when using 5ths by ear, just at the front of the nut to fine tune. Very lightly. The result is that it makes the two strings different in very subtle ways where one can hear if an acoustic beat is present.


Simon Fischer Intonation Workshop Angle of the Instrument

This video is Simon Fischer's remarks on holding the instrument up just a little to keep the strings parallel to the floor; and, on good posture as an aside. But this posture, nearly as physics-bound as sympathetic vibrations we will hear about in a minute, and the acoustic beat gets into the effect of being relaxed with strings parallel on intonation--and I find it very true. And part of this posture, besides straight back and neck, is a relaxed center-line up the neck, not scrunching, and while not being stiff at all as we will learn later, it does mean conserving motion.


Simon Fischer Intonation Workshop Concept of a note

Perlman asked about the difference between Galamian and De Lay:

Galamian would say: "Sharp! Flat!"
De Lay: "What's your concept of a note?"

The point: Leading edges of notes when playing for doubles stops as the example, shows that the third note in a double stop is movable. And the spirit of the law again, per both Fischer and Perlman, is listening to one's self.

Fischer goes on to illuminate the nature of sympathetic vibrations, and implies how this can improve one's listening to their playing. So to apply what I learned from Fischer in this, I created a little exercise using the Children's Song "Chopsticks" on open A and D-stopped, or other strings if wished. This really illuminated those half-steps.

Sympathetic vibrations is the fact that if I play G on D string, my G string vibrates in different sections of the string on it's own. And if I play A on G string, my A string vibrates along in a single place along the string. This nature of bowed-string instruments to 'excite' other strings is important to intonation, and I think understanding this is probably what is getting 'me' there in these ways--you can hear what he says here with just a little work.

The spirit::Mr. Fischer makes an important point unrelated to the "concept of a note" in this video. He tells the story of someone asking "why do we need to know all of those things". Is listening not enough? He continues telling that he later had a conversation with Dorothy Delay, that explained 'clearly' why details are important.

'Every technical exercise, and every detail are opportunities to refine one's playing. I will not debate the idea of not working on being knowledgeable, and focusing on small details. And I will be bold enough to say, it is simply true. Even beyond basic general competency which is a world of work of itself, is a journey towards improved and never ending artistry. And ironically, it still gets back around to listening'. (Fiddler at the Cove)



Simon Fischer Intonation Workshop Cause and Effect:

Make simple changes to improve steadily. Listen to yourself(causes), make simple changes for better intonation and tone(effect). Both teachers and students--do whatever is necessary, if repeated fifty times, to break those things causing unacceptable results. 'If you are a beginner, it feels like forever being able to even understanding what cause is effecting, but it gets a little better over time'. 'This is so very true.'



Simon Fischer Intonation Workshop Expressive Intonation

This important video brings everything Fischer has talked about so far, in improving intonation. From acoustic beats in tuning, to sympathetic vibration, one learns that many of those dead sounding notes are not a flaw in the instrument, but a flaw in finger placement; and, Fischer relates this to sympathetic vibrations both above and below the stopped(pressed) note.

Open strings and their stopped counter-parts creates the first part of a framework to improve intonation when used with the idea, actually physics of sympathetic vibrations.
Fischer gets to the heart of defining Expressive intonation based on the observation of Casals the great cellist.

The principle is that on piano a-flat is a-flat, and g-sharp. On violin and string instruments a-flat can be played lower, and g-sharp higher(leading edge). But Fischer notes that we cannot always play with expressive intonation, based on the venue such as string quartet, or maybe with a piano and so on.

Fischer goes on to fill in the framework mentioned by showing how to get at a-flat by feeling (not forcing) the finger against the nut. But the real point in this is that sharps
lead up and flats lead down. So it only reasons that a-flat would be played on the lower edge from the center of the note, and g-sharp on the higher(or leading) edge from the center of the note.

As he began in the beginning of this workshop, expressive intonation is all about measuring the relationships between notes and their respective or related notes, and applying these distances well and appropriately. But it goes somewhat deeper than this. Intonation in the spirit of this workshop, has a direct impact on the quality of a single, and nearly every note.

Finally, using the techniques Fischer shared, he reminds again, that anyone can get to a solid level 2 structure of intonation in minutes a day, rather than years.

基本手型建立的參考

有滿多人問肉丸子說，為什麼蘇俄跟大陸的小提琴家，左手小拇指都會留在弦上，是怎麼練習的。老實說我也不知道他們是怎麼練起來的。不過推薦幾個重點會有一些幫助。

一、練習八度四度二度雙音：我都是用Sevcik的雙音預備練習(op.9)



二、多練習手指練習：不管是Sevcik手指獨立練習或是Schradieck把位練習都可

三、重心保持在第三、四指，就算是沒有用到，也要告訴自己，很快就會用到了

四、試著固定第四指，再來安排其他手指的位子：我們大部分都是先按好第一指，再看其他三指。可以把思考方式修改一下，練習先放第四指來固定把位。

我有拿學生當試驗品，試驗結果是，一般來說大約是需要一個小時的八度音練習可以修改掉基礎的手型，但是需要練一陣子才會習慣。

Simon Fischer on Tone Production

Simon Fischer 是 DeLay的學生，他在 Strad 上面寫了很長一段時間的小短篇，就是教人家如何練琴以及解決一些音色的問題。今年他要出新的書與DVD教學，所以就把一些教學片段放在網路上。
他的書有 Basics and Practice，肉圓都有，覺得滿有用的。

以下是 youtube 的一些有關於tone production的影片


說要看著琴弦的震動，感覺弓毛的摩擦，幻想音樂與聲音，還有用大腦去分析。

一弓強弱練習

1.  f->p，弓在弦上的位置不變，f的時候接近琴橋p的時候也要

2. f->p->f->p 一弓 (還有弓要拉到弓根)，f->p一組一定要正好用到半弓

3.f->p->f->p->f->p

4. 當聲音聽起來有高高的、像是泛音的聲音，就有可能是弓太快或是太輕，要是聽到低音或是雜音就是弓太慢或是太重

5. 要試驗，要有強烈的對比，並且弄清楚哪裡應該分弓

音點


這些練習其實還滿基礎的，肉丸子上課都會cover到。 (呵呵呵，臭屁一下)

Ricci 的新書: Ricci on Glissando

89歲的老先生 Ricci 又出新書了! "Ricci on Glissando: The Shortcut to Violin Technique."

今天剛剛拿到, 就邊開車邊看 (真是為路人擔心阿!! 其實只有紅燈才看啦~). 早一點的時候看完了~ 雖然說看的很快, 而且還沒有看DVD.

此書分為兩個部分, 書的部分講的是 Glissando的技巧以及他發展的左手技巧系統. DVD 是 Ricci 現身說弓法的訓練.

雖然說看的很快, 但是Ricci說的肉圓基本上都了解, 因為... 這本來是要出現在肉圓的未完成巨著 "怕格妮妮死也不要讓你知道的秘密" 的內容, 居然被一個老先生搶先一步, 我實在好傷心阿~~>__<~~
唉, 算了, 乖乖的去練琴吧!


p.s. 很多review都說這本是 "advanced techniques", 肉圓覺得這其實是不對的. 這本書的內容是給一個由0 開始, 如何在最短的時間以內, 可以練到Paganini 24 caprices 當熱身運動的程度. 若是你已經都能拉, 那這一本其實幫助並不大.

基本"弓"---弓的分段

很多練習曲有分上半弓, 下半弓, 中弓, 全弓, 1/3弓, 弓尖, 弓根等等. 不過那都太大概. 肉丸子有一個建議, 就是把弓分成8段, 每一段都分開練. 可以

1. 閉著眼睛, 練幾小節再來看看弓有沒有跑掉.
2. 用每一段來拉一樣大聲的音, 注意手指所要出的力氣.
3. 強迫跳來跳去, 比方說, 這一個音是第一段弓, 下一個音要用第三段弓等等. 最後必起眼睛, 感覺弓在哪裡, 再檢查看看是不是拉的跟想的一樣.

弓要盡量跟琴橋平行.

Vibrato 與音準

Youtube 上面這個小孩才14歲, 就在拉貝多芬Romance in G. 大致上拉的不錯, 但是感覺音不太準. 其實以前肉丸子在拉Paganini Concerto的時候, 有發覺說為什麼音不太準. 後來才知道, vibrato 太大了.只要縮小一點音就準了.

基本上只要仔細聽, 或者是錄音後再來聽, 就可以解決這個問題.

練習曲

初級與中高級的練習曲是很不一樣的.

初級很多時後是在練習對於基礎手指與弓法的結合. 所以常常看到初學者一條一條的拉, 因為需要增強對於琴的熟悉度.

中級的狀況對於準確性與藝術性要求較高. 大部分的練習曲集都有一點重複性. 有可能拉大部分的, 跳掉一些已經熟悉的技術.

高級的話, 只能說, 需要什麼拉什麼. 準確性與藝術性是必備的了.

最大的重點是, 練習的時候需要知道到底每一首的重點在哪裡, 要求在哪裡, 需要練到什麼程度, 以及要如何練習. 不知道重點練了也是白練, 不要求那重點就會練的不夠好, 不知道如何練習可能會事倍功半.

小提琴教學/練習曲的歷史列表

1751	Geminiani. The Art of Playing on the Violin. London.
1756	Mozart, Leopold. A Treatise on the Fundamental Principles of Violin Playing. Ausburg.
1756	Tartini, L'arte del arco. Paris.
1761	L'abbe le fils. Principes du violon. Paris.
1771	Tartini, Traite des agremens. Paris.
1782	Corrette. L'Art de se perfectionner dans le violon. Paris.
1791	Galeazzi. Elementi teorico-pratici. Rome.
1798	Cartier. L'Art du violon. Paris.
1798	Woldemar, Michel. Methode pourl e violon. Paris.
c1800	Gavinies. Les vingt-quatre matinees. Paris.
1803	Baillot, Rode and Kreutzer. Methode de violon. Paris.
c1800s	Fiorillo. Etudes de violon formant 36 caprices. Vienna.
c1815	Rode. 24 caprices enforme d'etudes. Berlin.
1820	Paganini. 24 capricci. Milan.
1824	Campagnoli. Nouvelle methode de la mecanique progressive du jeu de violon, op. 21. Leipzig.
1832	Spohr. Violinschule. Vienna.
1834	Baillot. L'Art du violon. Paris.
1844	Alard. Ecole du violon. Paris.
1850	Dont. Etudes for the violin.
1854	Wieniawski. L'ecole moderne, op. 10. Lepizig.
1855	Dancla. Methode elementaire.
1858	de Beriot. Methode de violon, op. 102. Paris.
1864	David. Violinschule. Leipzig.
1867	Kayser. 36 Studies for violin, op. 20.
1873	Courvoisier. The technics of violin playing.
1875	Schradieck. School of violin-technics.
1880	Mazas. 75 Etudes melodiques et progressives pour violon, op. 36. Brunswick.
1881	Sevcik. Schule der Violintechnik, op. 1. Prague.
1895	Sevcik. Schule der Bogentechnik, op. 2. Leipzig.
1902-5	Joachim and Moser. Violinschule. 3 vols. Berlin.
1916	Capet. La Technique superieure de l'archet. Paris .
1921	Auer. Violin Playing as I Teach It. New York.
1923-8	Flesch. Die Kunst des Violin-Spiels. Berlin.
1941	Dounis. New aids to Technical Development, op. 27. London.
1962	Galamian. Principles of Violin Playing and Teaching. Englewood Cliffs, NJ.
1963	Galamian and Neumann. Contemporary Violin Technique. New York.
1961	Havas, Kato. A New Approach to Violin Playing. London.
1964	Havas, Kato. The Twelve Lesson Course in a New approach to Violin Playing. London.
1969	Suzuki, Shinichi. Nurtured by Love. New York.
1970	Suzuki violin school. Princeton, New Jersey.
1971	Menuhin. Six Lessons with Yehudi Menuhin. London.
1971	Rolland, Paul. Prelude to String Playing. New York.
1974	Rolland, Paul. The Teaching of Action in String Playing. New York.
1981	Havas, Kato and Jerome Landsman. Freedom to play: A string class teaching method. New York.
1986	Menuhin. The Compleat Violinist: Thoughts, Exercises, Reflections of an Itinerant Violinist. New York.

小提琴常見練習曲:由簡到難

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Wohlfahrt : Op 38 - Easiest Elementary Studies
Dancla : Op 84 - 36 Easiest Melodic Studies
Wohlfahrt : Op 45 - 60 Studies
Wohlfahrt : Op 54 - 40 Elementary Studies
Sitt : 50 Daily Exercises
Kayser : Op 20 - 36 Elementary and Progressive Studies
Mazas : Op 36 1/2/3 - Special / Brilliant / Artists Studies
Fiorillo : 36 Caprices
Kreutzer : 19 Caprices
Campagnoli : 7 Divertimenti
Dont : Op 37 - Preparatory Studies
Kreutzer : 42 Studies
Rode : 24 Caprices
Dancla : Op 73 Studies
Gavinees : 24 Matinees
DeBeriot : First 30 Concert Studies
Dont : Op 35 Studies
Wieniawski : Op 10 Ecole Moderne
Paganini : 24 Caprices
Ernst : 6 Polyphonic Studies
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p.s. violinmasterclass.com 也有一個列表, 非常好.

平時的弓法練習

小提琴的聲音大都是由右手發出來. 弓法與 tone production 的練習是非常重要的. 不過, 我們練琴時, 很多時候, 比較容易會忘記右手的角色. 因為左手的控制與練習很多時候就已經佔走大部分的時間了.

一個比較簡單的做法是如此, 先把右手需要練習的東西列出來. 比方說, 肉丸子就會列五大項:

弓法: (請參考 www.violinmasterclass.com)
detache legato martele spiccato staccato ricochet colle
弓的部位:
3大段 8 小段

跨弦:
2,3,4 弦 一弓跨單次或多次

節奏:
各式各樣的節奏

Sounding Point:
3 or 5 sounding points

再來是每次練習, 或是每一個星期, 都挑選一些來練習.

有一本練習是滿值得推薦的, Casorti's Technics of Bowing, Op 50
這本書把主要的弓法技巧由淺到深, 用一些小 exercises 與解釋來教導 bowing. 相當不錯. (左圖)

如果喜歡省時間的話, Sevcik 與 schradieck 有滿多的練習. 喜歡練習曲的人, 可以配合喜歡(也要適合, 跨弦並不是每一首都好). 還有人是配合音階一起練習, 這也是一種方法.

Kayser Studies No. 1 Variations

弓法變化最有名的就是Kreutzer No. 2. 不過那個比較難一點. 肉丸子之前在二手書店找到一本有超多變化的Kayser studies, 不過只有前幾首而已.

這裡有159種弓法變化.

Paganini Caprice No 17 Fingered Octaves

傳說中, Paganini是 fingered octaves 的發明者. 而 fingered octaves 是一項非常重要的技術. 在 Flesch 的音階系統裡面有一段就是 fingered octaves 2的練習.

但是, Ricci 認為, Paganini 的雙音技術是使用同指滑行, 因為這樣的話演奏者就需要測量距離, 並且用耳朵聽音準. 而傳說中Paganini 六度雙音都是同樣兩指上下滑行的.

沒記錯的話, Heifetz 是用 1-4 (但是他的fingered octaves 是很厲害的, 絕對不是技術的問題). 更好玩的是, 這一段不管是哪一種都可以.

Paganini Caprice No 5 開頭的chromatic scale 的指法

這一段的指法有滿多選擇的, 一般來說有兩種指法, 一個是 1-1-2-2-3-4, 另一種是1-2-1-2-3-4. 第一種指法有點滑音, 聽起來比較溫暖. 第二種指法比較乾淨. 所以有四種可能

• 1-1
  
• 1-2
• 2-1
• 2-2
  

現在這個版本感覺比較舊, 因為下行也是用滑的(1-1). 現在來說, 上行滑音是可以的, 但是下行時要求要乾淨一點. Ricci 與 Markov 上下行都是用第二種指法(2-2). Galamian 是上行用第一種, 下行用第二種(1-2).

肉丸子個人是用Galamian 的指法, 1-1 的指法下行的時候比較慢, 所以不用 (這有可能是肉丸子個人技術的問題). 2-2 也是可以但是感覺上太乾淨了(雖然說高手與大師用這個指法). 好像沒有看過2-1這種組合.

練習 Trill 小秘訣

在練習 trills 的時候, 有人總是覺得不順, 或者是快不起來. 實際上, 拉 trills 是有一些小技巧的.

首先我們先做個試驗, 先把把左手手指放在桌面上, 把食指按在上不動, 然後用中指最快的速度下不斷的敲打桌面. 再來, 同樣的動作, 但是這一次, 食指上中指下, 食指下中指上, 來敲打桌面. 大部分的人都會覺得第二種比較簡單.

練 trills 也是一樣. 基本上高指按下時, 低指需要減壓,

泛音記號就是手指要有抬起的感覺. 這樣子練手指可以拉的很輕鬆又很快.

下來是重心的問題, 基本上左手的重心是在主音的那一指, 所以一開始有重心問題的話可以用下列的方法練習:

Shoulder Rest之使用

在古典音樂屋的論壇內有一篇 "shoulder rest之使用與音色討論 ", 最主要是在討論那一種 Shoulder Rest 對於小提琴的音色的影響以及使用的感覺. 當然, 這時候一定有人說不要用, 也一定有人說音色影響不大, 大家都用, 以及不用會受傷等等.

說真的, 肉丸子沒有什麼定見, 看過一些相關的東西, 感覺上是有 Shoulder Rest 對人體比較好, 但這好像沒有一定的, 而且很多人用shoulder rest 一樣會出問題. 在這裡聊一下有關的一些議題.

一開始兩邊就已經沒有弄清楚夾小提琴的方法是不是一樣. Firm Hold 就是把夾小提琴的責任幾乎都在左肩上, Loose Hold 就是把撐起琴的責任幾乎都交給左手, 在向下換把一類的時候就需要一點下巴以及肩膀的力量.

如果說是用 Loose Hold, 那有沒有shoulder rest 差異不大, 很多人不用 shoulder rest 都是使用 Loose Hold. 有些人會在外套內放一個pad. Milstein 就是屬於 Loose Hold 的.

Firm Hold 的問題基本上是比較具爭議性的. 以前的人不用shoulder rest, 有一部分也是因為那時流行厚外衣, 所以直接就把琴墊高了. 現在是抬肩膀的問題, firm hold 不用shoulder rest, 除非身體適合, 不然一定要抬肩膀(抬肩膀但是左手是放鬆的). 這一點是大家比較有意見的, 因為有受傷的問題. 不過, 使用shoulder rest 也還是有人受傷, 所以這實在是如何使用的問題. 再來是不用 shoulder rest 的話, 左手多多少少需要負擔多一點琴的重量.

Heifetz 是屬於 firm hold, 他把外套肩膀墊厚. Heifetz 的脖子不是直的, 夾琴的後遺症.

音色的影響肉丸子覺得是滿明顯的, 說沒有是騙人的. 不過這跟琴以及shoulder rest 的設計有關, 直接去琴行測試會最準.

這裡肉丸子分享一下個人經驗.

之前肉丸子一直都有用shoulder rest, kun 那種. 之前一直都很好, 但自從開始拉一些 paganini & dounis 之後, shoulder rest 時常會拉一拉就掉下來. 前一陣子最後的shoulder rest 壞了, 而且覺得shoulder rest 對於小提琴音色音量的影響非常大, 所以試著不用.

一開始很不習慣, 而且左手的技術差了很多, 一直怕小提琴掉下. 後來是發覺, 只要 shoulder, collar bone, left thumb 型成一個平面, 琴就不會有問題. 而且shifing up 時完全不需要擔心, 因為琴會自然的被推向自己. shifting down 時要注意, 但是只要點一下頭, 肩膀稍微抬起, 換完就可以鬆開, 就好了. 琴首會往下, 琴身不會跟地板平行, 這樣的角度是肩膀脖子最放鬆的角度. (Paganini, Sivori and Ricci 都是這樣.)

不用shoulder rest 還有幾個好處, 一來是 shifting 時大拇指先行後行這一類的問題會自然的解決, 因為弄錯琴就會不穩. 二來是左手比較靈活, 因為琴可以被隨意的移動, 所以左手可以自由的調整舒服的位置. 三來是自己的琴音色真的變的比較好.

不過, 要重新練音階弓法與特殊練習, 因為這算是滿大的改變. 肉丸子花了兩個月才轉型成功.

手型 (Finger Patterns)

不知道為什麼 Finger Patterns 被翻譯成手型. 不是很好的翻譯因為這跟手的型一點關係都沒有. 基本上指的是左手四根手指的距離.

先不管翻譯的問題. 之前肉丸子有把位, 換把, 指板視覺化等等, 加上 Finger Patterns, 就是一套基礎的左手技術 (最主要是音準這方面的訓練, 其他的一些運動像是 stretching, left hand pizz 就沒有).

Finger Patterns 的用處是在於一開始就了解每一組音之間的音層關係 (說穿了就是是要靠一起還是要分開), 在練習的時候不但用耳朵去聽, 用眼睛去看, 也用手去感覺距離. 基本上就是在指板上畫出看不到的格子.

Finger Patterns 的分類是用來幫助練習的. 肉丸子把一些 Sevcik 的練習修改來使用這些 patterns, 不過你可以自己發明一些來練習.

以下是22種 patterns, 由四度開始. 弧線是指 tone, 尖線是 semi-tone 的距離. 距離依樣但是在一條弦以上仍然算是同一種 pattern.


















最後是 Paganini Stretch!(這實在是做不到...orz)




Reference: Gerle's "Art of Practising the Violin"

基礎人工泛音

泛音有分自然泛音以及人工泛音, 而在樂曲上, 又有分單泛音以及多泛音(就是雙音一樣). 一般來說, 泛音的記號是一個空心的菱形, 而就是用很輕的力量去按譜上寫的音. 例如 Paganini's Witch's Dance,

第二個音就是實按F#(姑且叫做低音), 輕按B(叫做高音).

自然泛音比較簡單, 請看最後的常用的自然泛音表. 人工泛音比較難一點, 因為有好幾種.


1) 高低音差大三度
結果是高音加兩個八度的音



2) 高低音差小三度
結果是低音加兩個八度再加五度



3) 高低音差四度
結果是低音加兩個八度



4) 高低音差五度
結果是高音加一個八度




還有兩種不常用的, 相差六度以及八度, 這裡就不談了.

雙泛音基本上就是雙音, 依照後面的圖表找出兩個可以一起拉的泛音. 雙泛音是雙音, 同時也要考慮到換把的問題. 泛音的基礎是八度雙音, 雙泛音的基礎是 fingered octaves, 所以基本的練習是一樣的. 這是Sevcik Op 1 Book 4 裡面的練習,




演奏的要點

• 弓要平穩
• 左手要準備好才可以開始拉
• 拉的時候要接近琴橋
• 弓壓不可以太低
• 要柔弦
• 弓速不可以太低
• 輕按的手指不可以過度柔弦
  

Violin Master Classs 有介紹.

常用的自然泛音表



泛音表






References: Yampolsky's "The Principles of Violin Fingerings", Martens' "Violin Mastery", violinmasterclass.com, Sevcik Op 1 Book 4.

指板視覺化

音準是一個很重要的問題, 基本上小提琴沒有音準就沒有技術. 不過除了耳朵要聽以外, 視覺音準也是很重要的.

Gerle 提出了 "gridiron" 的概念, 就是將指板依照音大概分一格一格的, 音越高指距越小. 練習音階一類的時候可以將音"視覺化".



(圖是從 Violin Online 來的, 跟 Gerle 的還是有點不一樣.)

單音技術換把 (Technical Shifts)

Technical Shifts 是換把時必要的動作, 而不是為了效果做的換把. 肉丸子在這裡把所有單音換把所有的組合都列出來(大部分是 lead-shift). 譜例中比較小的音是所謂的過渡音, 是在練習中要練但是在練完時應該聽不太到的音. - 指的是滑過去.

基本上有三大類, 換把前後有按不同音, 換把前後同音不同指, 空弦換把 ,再來是上行或是下行換把, 是由低指到高指或是高指到低指, 同弦換把還是不同弦換把.



1. 換把前後有按不同音, 上行, 低指到高指, 同弦換把

這時要用換把之前的那一 指, 滑行到要換的把位, 再按下要按的音.



2. 換把前後有按不同音, 上行, 低指到高指, 不同弦換把

先用換把之前的最後用的手指, 滑到同弦但是跟換把後的同一把位, 再換到要拉的弦, 按下換把之後的音.




3. 換把前後有按不同音, 上行, 高指到低指, 同弦換把

在換把之前的把位上, 先按下換把之後用的手指, 再滑行到換把之後的音.




4 換把前後有按不同音, 上行, 高指到低指, 不同弦換把

在換把之前的把位上, 先在換把後用的弦按下換把之後用的手指, 再滑行到換把之後的音.



5. 換把前後不同音, 下行, 高指到低指, 同弦

用換把之前的那一 指, 滑行到要換的把位, 再按下要按的音.



6. 換把前後不同音, 下行, 高指到低指, 不同弦

先用換把之前的最後用的手指, 滑到同弦但是跟換把後的同一把位, 再換到要拉的弦, 按下換把之後的音.




7. 換把前後不同音, 下行, 低指到高指, 同弦

用換把之前的那一 指, 滑行到要換的把位, 再按下要按的音.



8. 換把前後不同音, 下行, 低指到高指, 不同弦

先用換把之前的最後用的手指, 滑到同弦但是跟換把後的同一把位, 再換到要拉的弦, 按下換把之後的音.


9. 空弦, 上行, 同弦

用隔壁的弦, 挑一個低指的音, 由低把滑到高把, 再換回要拉的弦, 按下換把之後的音.


10. 空弦, 上行, 不同弦

先到換把之後的弦, 在換把前的把位挑一個低指的音, 滑上換把後的把位, 再按下最後的音.


11. 空弦, 下行, 同弦

用換把之前的手指, 滑到要換把之後的把位.


12. 空弦, 下行, 不同弦

先在換把前的弦以及手指, 滑行到換把後的把位.





同音的換把基本上就是之前 1-8的概念.

13. 同音同弦



14. 同音不同弦




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這些規則看起來很複雜, 但實際上不太需要背. 只要多用幾次, 練習多次, 以後就很快了. 比較不常用的要用再查. 的有些人換把後會把手掌向右翻, 破壞手的 frame, 那不好, 因為手指與手指以及弦的距離感會被破壞掉. 換把時會有重心轉移, 會比較接近第一指.


Reference: R. Gerle, "The Art of Practising the Violin", 1983